Ayer finalizó la última edición de la Semana de la Moda Masculina de París, en la que se presentaron las propuestas para el otoño-invierno de 2026, y en cuyo calendario oficial no estuvieron presentes diseñadores tan significativos como Loewe, Balenciaga, Givenchy, Saint Laurent o Valentino.
La ausencia más destacada es la de la firma española, cuyos desfiles masculinos han sido de los más exitosos en las últimas ediciones. La marca ha decidido mostrar sus propuestas de hombre junto con las de mujer el próximo mes de marzo, durante la semana del prêt-à-porter femenino.
Durante seis días, y siguiendo el calendario oficial de la Federación francesa de la moda, se han organizado en diversos lugares de la capital gala 38 desfiles y 30 presentaciones, cifras ligeramente inferiores a las de la pasada edición de junio, en la que se superaron las 70 citas.
En general, y como nos tiene acostumbrado, París no nos ha decepcionado. A continuación, os mostramos un resumen de lo más destacado de su última Semana de la Moda Masculina, la del otoño-invierno 2026.
The last edition of Paris Men's Fashion Week ended yesterday with the presentation of the Autumn-Winter 2026 collection and the absence of such important designers as Loewe, Balenciaga, Givenchy, Saint Laurent or Valentino from the official calendar.
The most notable absence was that of the Spanish company, whose menswear shows have been among the most successful in recent editions. The brand has decided to show its men's proposals together with the women's next March, during the women's ready-to-wear week.
For six days, and according to the official calendar of the French Fashion Federation, 38 fashion shows and 30 presentations were organized in different places of the French capital, slightly less than the last edition in June, which exceeded 70 appointments.
All in all, as usual, Paris did not disappoint. Here is a summary of the highlights of its latest men's fashion week, the fall-winter 2026.
DIOR
En sus más de cinco años como director artístico de la línea masculina de Dior, el diseñador británico Kim Jones ha demostrado ser un experto en traducir el prestigioso archivo de la casa en prendas para el presente, o, en sus palabras, «para ahora». Esta tarea puede ser compleja: Christian Dior solo trabajaba con ropa de mujer y en medio de la alta costura, aunque Jones ha encontrado una línea de continuidad en la forma en que el modisto se inspiraba a menudo en la sastrería masculina y sus tejidos. En su último desfile, presentado sobre una escalera blanca y austera en un espacio especialmente construido para la ocasión en los terrenos de la École Militaire de París, Jones dijo que quería volver a la «esencia» de Dior, inspirándose en las líneas «gráficas y angulosas» de la colección Ligne H de la Maison, presentada a mediados de los años cincuenta.
Un desfile en el que el diseñador fue más explícito, alternando épocas y siluetas en las que los looks de alta costura se entremezclaron con piezas bordadas realmente extraordinarias.
Una de las inspiraciones fue la figura del «donjuán» Casanova, presente en los cambios entre lo masculino y lo femenino, y en el aire de opulencia del siglo XVIII.
In his over-half-decade as artistic director of Dior’s menswear line, British designer Kim Jones has proved adept at translating the house’s venerable archive into clothing for the present day – or, in his words, for ‘now’. This can be complex: Christian Dior worked only in womenswear, and in the medium of haute couture, though Jones has found a throughline in the way the couturier often drew from men’s tailoring and its fabrics . For his latest show, which was presented on a stark white staircase in a specially constructed showspace in the grounds of Paris’ École Militaire, Jones said he wanted to get back to the ‘quintessence’ of Dior, drawing inspiration from the ‘graphic and angular’ lines of the house’s Ligne H collection, presented in the mid-1950s.
It made for a show of renewed clarity from the designer, which shifted between periods and silhouettes –
Looks from his second dedicated couture collection for men were interspersed throughou, while the bow became a motif, hanging from the back or sleeve of a jacket, and referenced in the twisting knots of fabric on the shoes. One inspiration was the figure of ‘ladies man’ Casanova in the shifts between masculine and feminine, and the air of 18th-century opulence
JUNYA WATANABE
La moda masculina de Junya Watanabe se inspira desde hace tiempo en la ropa de trabajo tradicional, con intrigantes interpretaciones de la chaqueta de faena, el pantalón de carpintero y los vaqueros entre las creaciones del diseñador japonés. Para su último desfile, continuó explorando los arquetipos con una versión más ruda del hombre Junya Watanabe, para lo que colaboró con la histórica marca de outdoor Filson, con sede en Seattle y fundada en 1897. La colección, que se centraba en la reinterpretación de la chaqueta Mackinaw Cruiser de Filson, se presentó sobre un elenco de hombres fornidos y barbudos con camisas de cuadros, chaquetas enceradas, vaqueros con parches y gorras de camionero. Y, aunque la visión del desfile, en el que también colaboraron Levi's y New Balance, era ciertamente masculina y directa, los elementos extraños, como las incongruentes camisas y corbatas de oficina que se escondían bajo las resistentes capas exteriores, eran fieles a las raíces vanguardistas de Watanabe.
Junya Watanabe’s menswear has long taken cues from traditional workwear, with intriguing interpretations of the chore jacket, carpenter pant, and denim jeans among the Japanese designer’s signatures. For his latest show, he continued an exploration of archetypes with a more rugged iteration of the Junya Watanabe man, collaborating with historic Seattle-based outdoor brand, Filson, which was founded in 1897. Noting a desire for ‘something real’, the collection – which centred around reinterpretations of Filson’s Mackinaw Cruiser jacket – was presented on a cast of burly, bearded men, with plaid shirts, waxed jackets, patchworked jeans and trucker hats all riffed on in the down-to-earth collection. And, while there was certainly a masculine directness to the show’s vision – which also featured collaborations with Levi’s and New Balance – elements of strangeness, like the incongruous office shirts and ties which sat beneath the rugged outer layers, were true to Watanabe’s avant-garde roots.
RICK OWEN
La última presentación de Rick Owens, celebrada en una de las vastas galerías del Palais de Tokyo que actualmente se encuentra entre instalaciones, rebosaba optimismo. La banda sonora de «Heroes», de David Bowie transmitía una energía edificante a la colección, que era una especie de oda a Concordia, una ciudad industrial de Italia donde Owens ha producido sus colecciones durante las dos últimas décadas. Desde sus primeras estancias en «hoteles de asesinos en serie» hasta dormir en sofás en su oficina, pasando por la compra de un apartamento en la ciudad, el diseñador comentó que reflexionaba sobre cómo Concordia se ha convertido en una especie de monasterio creativo.
Esta temporada, eso se tradujo en una serie de botas extraordinarias construidas con láminas de cuero cortadas con láser que recuerdan a plumas o escamas (una técnica realizada en colaboración con Victor Clavelly y que también aparece en las faldas), vaqueros «megacorteza» (láminas de bronce y cera superpuestas sobre tela vaquera) y prendas escultóricas hechas con capas milhojas de caucho.
There was a sense of optimism to Rick Owens’ latest outing, held in one of Palais de Tokyo’s vast gallery wings that is currently between installations. Soundtracked by David Bowie’s ‘Heroes’ there was an uplifting energy to the collection, which was an ode of sorts to Concordia, an industrial town in Italy where Owens has produced his collections for the past two decades. From staying in ‘serial killer hotels’ in those early years to sleeping on couches in his office, and later purchasing an apartment in the town, the designer said he was thinking about how Concordia has come to represent something of a creative monastery.
This season, that meant a series of extraordinary boots constructed from slices of laser-cut leather reminiscent of feathers or scales (a technique undertaken in collaboration with Victor Clavelly and appearing also on skirts), ‘megacrust’ jeans (bronze foil and wax layered onto denim) and sculptural garments made from millefeuille layers of rubber.
ISSEY MUYAKE MEN
El trío de diseñadores detrás de IM Men de Issey Miyake, que ha debutado esta temporada en París, ha declarado que su última colección comenzó con una mirada retrospectiva a Fly with Issey Miyake, un desfile seminal que el propio Miyake celebró en Tokio y Kioto en 1977. Para Sen Kawahara, Yuki Itakura y Nobutaka Kobayashi, que ayudaron a fundar la rama en 2021 junto con el difunto Issey Miyake, el desfile es «legendario», ya que capta la filosofía del diseñador, que prioriza el tejido, «un trozo de tela», con siluetas ondulantes similares a las de un paracaídas. Así, para la temporada A/W 2025, los diseñadores imaginaron un trozo de tela flotando en el aire. Esto se plasmó en prendas que se superponían y drapeaban alrededor del cuerpo, pasando de tonos blancos a un caleidoscópico collage de verde, morado y amarillo. Varias de las prendas se confeccionaron en el estilo innovador y característico de la marca, a partir de un único cuadrado de tela, hecho que se demostró al final del desfile, cuando los modelos se desabrocharon las prendas hasta convertirlas en un cuadrado de tela, enarbolándolas como banderas y lanzándose por la pasarela. Queríamos volver al principio, a algo sencillo y bello», declaró Kawahara a Wallpaper*. Visualicé un trozo de tela que salía volando».
The trio of designers behind Issey Miyake’s IM Men, which made its debut in Paris this season, said their latest collection began with a look backwards to ‘Fly with Issey Miyake’, a seminal show that the Japanese house’s namesake held in Tokyo and Kyoto in 1977. For Sen Kawahara, Yuki Itakura and Nobutaka Kobayashi – who helped found the offshoot in 2021 alongside the late Issey Miyake himself – the show is ‘legendary’, capturing the designer’s longtime fabric-first philosophy of ‘a piece of cloth’ with billowing, parachute-like silhouettes. As such, for A/W 2025, the designers thought about a piece of material floating through the air; in the collection this was formulated in garments that were layered and draped around the body, moving from shades of white to a kaleidoscopic collage of green, purple and yellow. Several of the garments were made, in the brand’s typically innovative style, from a single square of fabric, a fact demonstrated at the show’s close, where models undid garments until they were a square of material, brandishing them like flags and darting around the runway. ‘We wanted to go back to the beginning, to go back to something simple and beautiful,’ Kawahara told Wallpaper*. ‘I visualised a piece of cloth, flying away.’
PAUL SMITH
El verano pasado, en el marco de la feria Pitti Uomo de Florencia, Paul Smith organizó una presentación íntima en la que el diseñador habló de los looks en lugar de desfilar." Creo que el mundo se ha vuelto un poco loco con estos desfiles por todo el mundo", dijo entonces. "Creo que les falta personalidad. Así que pensé: ¿por qué no hablo con todo el mundo y muestro la colección?" Y funcionó: Smith es un narrador nato, y oírle hablar de ropa -el corte de una solapa, el origen de un tejido, la historia de una silueta- es un auténtico placer.
Por eso, el martes por la tarde en París, decidió continuar con el formato e invitó a los invitados a sus oficinas de la Rue des Archives para hablarles de su colección A/W 2025 (en la planta baja se había instalado el mismo «Bar Paul» de Florencia, sirviendo café a los invitados reunidos). Esta temporada estaba inspirada en la fotografía: sosteniendo una cámara que le regaló su padre, Harold B Smith, de niño, atribuyó a este medio el mérito de haberle enseñado a «mirar y ver». Aunque la colección se inspiró en la fotografía de su padre, una serie de sus imágenes de flores aparecían como estampados en camisas y corbatas (las fotografías originales aparecían en libros que se dejaban en el asiento de cada asistente). Incluso el espacio de presentación era una recreación del cuarto oscuro de su padre.
Smith también se inspiró en el uniforme del fotógrafo británico David Bailey —que había hablado en el club fotográfico de su padre en la década de 1960 en Nottinghamshire—, con chaquetas de inspiración militar y juegos con los tejidos heredados que se llevaban en la época, como la pata de gallo y el tweed «a prueba de espinas» (llamado así por su resistencia de doble tejido). También desveló una próxima colaboración con Barbour, en la que, al estilo típico de Smith, los forros de la famosa chaqueta de cera se adornaban con estampados de vacas, mientras que las coloridas capuchas podían mezclarse y combinarse. Todo ello hacía honor a su particular y muy apreciada marca de excentricidad británica, que aquí se mostraba en todo su esplendor. «Ahora es el momento de la sesión de fotos», bromeó al final del desfile, posando en el escenario con su elenco de modelos, para deleite del público.
Last summer, as part of Pitti Uomo in Florence, Paul Smith hosted an intimate presentation which saw the designer talk through the looks in place of a runway show. ‘I think the world’s gone a bit mad with these shows everywhere around the world,’ he said at the time. ‘I think it’s so lacking in personality. So I thought, why don’t I just talk to everyone and show the collection?’ It worked: Smith is a natural raconteur, and to hear him talk about clothing – the cut of a lapel, the origin of a fabric, the history of a silhouette – is a pleasure.
Which is why, on Tuesday afternoon in Paris, he chose to continue the format, inviting guests into his Rue des Archives offices to talk them through his A/W 2025 collection (on the ground floor, the same ‘Bar Paul’ from Florence had been erected, serving coffee to the gathered guests). This season, he was thinking about photography: holding up a camera he had been gifted by his father, Harold B Smith, as a child, he credited the medium with teaching him to ‘look and see’. Though it was his father’s photography which provided the nexus of the collection, a series of his images of flowers appearing as prints on shirts and ties (the original photographs appeared in books left on each attendee’s seat). Even the presentation space was entered through a recreation of his father’s dark room.
Smith also looked towards the uniform of British photographer and friend David Bailey – who had spoken at his father’s camera club in the 1960s in Nottinghamshire – with military-inspired jackets and plays on the type of heritage fabrics worn in the era, including houndstooth and ‘thornproof’ tweed (named for its double-weave strength). He also revealed an upcoming collaboration with Barbour, which, in typical Smith style, saw the famous wax jacket’s linings adorned with prints of cows, while colourful hoods could be mixed and matched. They felt befitting to his particular – and much beloved – brand of British eccentricity, on full display here. ‘Now it’s time for the photo op,’ he joked at the show’s end, posing on stage with his cast of models, much to the gathered crowd’s delight.
HERMES
Como directora artística del universo masculino de Hermès, Véronique Nichanian ha demostrado su habilidad para crear el tipo de prendas que uno ve en la pasarela y que uno quiere ponerse inmediatamente. Esto fue especialmente cierto en su colección otoño-invierno 2025, presentada el domingo por la tarde en el Palais d'Iéna de París, donde, en un día gris y lluvioso, presentó una colección envolvente y confortable. Se trataba de una colección de capas para el frío «para desafiar la dureza del invierno», un sublime ensamblaje de texturas de alpaca, franela de cachemira, terciopelo, bouclé, shearling y mohair en jerséis de punto grueso con capucha de poncho, abrigos con forro de manta y parkas de acabado brillante que parecían diseñadas especialmente para las inclemencias del tiempo. La formalidad también estaba presente en un precioso par de trajes de terciopelo que se mostraron en los últimos looks de la colección, si bien con el estilo despreocupado de Nichanian, con afiladas solapas de muesca y pantalones de corte ancho que recordaban el glamour louche de los años setenta.
As artistic director of the Hermès men's universe, Véronique Nichanian has proved astute at creating the type of garments you view on the runway and want to wear straight out the door. This was especially true of her A/W 2025 collection, shown at Paris’ Palais d’Iéna on Sunday afternoon, where on a particular grey and drizzly day she presented a collection of envelopment and comfort. This meant a collection of cold-weather layers ‘to brave the bite of winter’, a sublime textural assemblage of alpaca, cashmere flannel, velvet, bouclé, shearling and mohair across chunky-knit sweaters with poncho hoods, coats with swaddling blanket linings, and glossy-finish parkas which looked particularly primed for the day’s conditions. Though there was a suggestion of formality, too, in a beautiful pair of velvet suits which were revealed in the collection’s closing looks – albeit in Nichanian’s insouciant style, with sharp notched lapels and wide-cut trousers recalling the louche glamour of the 1970s.
KIKO KOSTADINOV
El consenso tras el último desfile de ropa masculina de Kiko Kostadinov fue que se trataba de su mejor colección en varias temporadas, una brillante mezcla de elementos que, a pesar de su intrínseca extrañeza, se sentían firmemente arraigados en la realidad de un armario del día a día (el diseñador nacido en Bulgaria y afincado en Londres es conocido por sus siluetas extravagantes, sus inesperadas combinaciones de colores y su brillo futurista, que impregna toda su obra hasta la fecha). Presentada en una pasarela llena de hojas secas y trozos de papel, la colección de esta temporada se inspiró en la obra del director húngaro Béla Tarr, cuyas inquietantes películas suelen desarrollarse en entornos desolados y aislados. Por ello, Kostadinov describió la colección como «texturizada y robusta, definida por una sensación de crudeza y ensamblaje orgánico», y las chaquetas de estilo militar, los abrigos de cuello de embudo y las gruesas botas de cuero transmitían cierta dureza. Aunque los ponchos de punto transmitían una sensación más suave de envoltura, un uso astuto del color y los motivos texturados —gran parte de estos últimos extraídos de la Bulgaria natal del diseñador y su artesanía histórica— sugerían una figura que encontraba la belleza incluso en lo grotesco.
The consensus after Kiko Kostadinov’s latest menswear show was that this was his best collection in some seasons, a brilliant melange of elements which despite their intrinsic strangeness nonetheless felt rooted in the reality of an everyday wardrobe (the Bulgaria-born, London-based designer is known for his off-kilter silhouettes, unexpected colour combinations and sheen of futurism, which has run through his oeuvre so far). Presented on a runway littered with dried leaves and torn-up shards of paper, Kostadinov had looked towards the work of Hungarian director Béla Tarr this season, whose haunting films often unfold in stark, isolated environments. As such, Kostadinov described the collection as ‘textured and rugged… defined by a feeling of rawness and organic assemblage,’ and there was a certain toughness to military-style jackets, funnel-neck overcoats and chunky leather boots. Though wrapped, poncho-like knits spoke to a softer feeling of envelopment, while an as-ever astute use of colour and textural motifs – much of the latter drawn from the designer’s native Bulgaria and its historic handcraft – suggested a figure finding beauty even in the extreme.
LEMAIRE
Christophe Lemaire y Sarah-Linh Tran mantienen la naturaleza evolutiva del vestuario de la marca, lo que significa que sus desfiles (que se celebran en el íntimo entorno de las serenas oficinas y el atelier de la pareja en la Place des Vosges) no siempre resultan reveladores en términos temáticos o de tendencias. Esto no es malo: tras haber creado un negocio de 100 millones de dólares, sus colecciones, construidas con sensibilidad, captan una belleza más pragmática, arraigada en el estilo cotidiano. Esta temporada, han dicho que pensaban en «personajes reales... su individualidad, sus deseos y sus necesidades de sastrería», y lo demuestran aquí a través de gestos sutiles pero inesperados que se han convertido en la firma de Lemaire: un pañuelo de cuero en la cabeza, joyas en forma de lupa creadas en colaboración con el artesano modernista Carl Auböck, el rojo a juego de una falda, zapatos y medias, todo llevado a la vez. La danza fue una de las fuentes de inspiración: la pareja imaginó a una bailarina poniéndose un abrigo sobre un chaleco de algodón suave y medias después de un ensayo (los detalles de los tirantes también eran un guiño a la ropa de danza). La confección, como siempre, fue clave: varios de los looks eran monocromáticos, aunque con multitud de capas y texturas, desde el suave algodón lavado y satinado hasta el brillo del cuero. Era un placer llevarlos.
Christophe Lemaire and Sarah-Linh Tran are steadfast in the evolutionary nature of the Lemaire wardrobe, meaning that its runway shows – held in the intimate surroundings of the pair’s serene Place des Vosges offices and atelier – do not always feel revelatory in terms of thematics or trends. This is not a bad thing: having built a $100-million-dollar business, their sensitively constructed collections capture a more pragmatic beauty, which is rooted in everyday style. This season, they said they were thinking about ‘real characters… their individuality, desires and sartorial needs’, demonstrated here through the kind of subtle but unexpected gestures which have become Lemaire’s signature: a headscarf crafted from leather not silk, magnifying glass-shaped jewellery created in collaboration with modernist artisan Carl Auböck, the matching red of a skirt, shoes and hosiery, all worn together. Dance was one inspiration: the pair imagined a dancer throwing a coat over soft cotton vests and tights after a rehearsal (suspender details were also a nod to dancewear). Fabrication, as ever, was key: several of the looks were monochrome, though in a multitude of layers and textures, from soft washed-out and satin-finish cotton to the sheen of leather. They looked a pleasure to wear.
LOUIS VUITTON
La colección, ecléctica y desenfadada, parecía un viaje a través de las obsesiones de la firma, tomando siluetas de ropa de trabajo —pantalones de carpintero, vaqueros, cazadoras bomber y blusones— y elevándolas mediante tejidos y adornos, ya fueran de cristal o de piel damier de camuflaje (aunque también había una marcada sastrería, con una silueta formada por una chaqueta entallada combinada con unos pantalones ligeramente acampanados que se encharcaban en el tobillo). Elementos más lúdicos, como un bolso de mano con forma de langosta o un damier a cuadros rosa «flor de cerezo», reflejaban el amor de ambos diseñadores por la cultura callejera japonesa.
Al final, los dos diseñadores de la marca hicieron una reverencia conjunta mientras los invitados se mezclaban para admirar algunos de los extraordinarios objetos expuestos, una pequeña parte del legendario archivo de Nigo, que cuenta con 10 000 piezas de ropa de trabajo, ropa de calle y objetos efímeros. Es, sin duda, una conversación entre el pasado y el futuro, una mirada al futuro a través del telescopio de la historia».
Indeed, the eclectic, freewheeling collection felt like a journey through the pair’s fixations, taking workwear silhouettes – carpenter pants, denim, bomber jackets and blousons – and elevating them through fabric and embellishment, whether crystal adornment or camouflage damier leather (though there was also strong tailoring, too, the silhouette comprising a boxy blazer worn with gently flared trousers which puddled at the ankle). More playful elements – like a lobster-shaped handbag or a pink ‘cherry blossom’ damier check – reflected both designers’ love of Japanese street culture.
The finale saw the pair taking a shared bow, while post-show guests mingled to take in some of the extraordinary objects on display, a minuscule slice of Nigo’s legendary archive, which numbers 10,000 pieces of workwear, streetwear and ephemera. ‘[It’s] a conversation between the past and future,’ Williams described. ‘[A] gaze into the future through the telescope of history.’
Comments